Bueno, me tenía que llegar a mí también, así que ahora les presento el primer cortometraje que grabé en mi vida. Es bien amateur y así muy de principiante, pero espero que puedan sentir lo que quise trasmitir.
Aquí tienen el link para verlo en Vimeo. Comentar es agradecer.
Godard para mí, al igual que
Hitchcock, es como una lección de cine abierta en cada película. Lo típico que
uno estudia al iniciar la carrera de cine está ejemplificado en muchas tomas
(focalización, los planos, los cuadros, etc), en la manera en que Godard nos
cuenta la historia, no de una manera convencional hollywoodense, sino desde la
bella óptica de la nouvelle epoque y su revolucionaria estética.
Es así que en Pierrot le Fou se
nos relatada la historia de un tipo llamado Ferdinand (al menos él se hace
llamar así, iterpretado por Jean Paul Belmondo), esposo de una rica mujer que
desconforme con su vida escapa con su amante Marianne (Ana Karina) quien vuelve
a aparecer en su vida luego de cinco años. Ferdinand (o Pierrot como le llama
Marianne) aparentemente cuenta con un historial de amplios antecedentes al
igual que su amante. Ambos se embarcan en una aventura sin rumbo, en una
aparente búsqueda de algo incierto, de un lugar donde ser felices, donde se
sientan completos. Entre tanto, realizan robos y actos delictivos para poder
sustentar su subsistencia, y además Ferdinand está obstinado en escribir en su
diario durante la travesía que vive. El final del filme no es más que
simplemente una explosión de expresión de Godard.
Lo interesante de esta película
es la frescura de sus tomas, la constante musicalización de situaciones como si
fuera un musical (¿o acaso en parte lo es?), los diálogos bizarros en los que
encontramos poesía, reflexiones acerca del ser, del amor, de las diferencias
entre los amantes, la sátira de la guerra de Vietnam y el absurdo pensamiento
yankiee, y todos los típicos divagues que caracterizan a este director y que lo
hacen tan genial y fuera de serie por no limitarse a lo expresamente literal al
contar sus historias.
-¿Por qué tantas preguntas?
-Trato de saber quién eres. Ni hace 5 años, lo
sabía.
Este es básicamente el tema de la película. Dos personas que se aman y
deciden aventurarse juntos, casi sin conocerse y conociéndose del todo.
- Me hablas con palabras y yo te miro con
sentimientos.
- Imposible hablar contigo. No tienes ideas sólo
sentimientos.
Esta película es eso. Sentimientos por encima de las ideas. Vean
Pierrot le fou, pero no esperen una entretenida cinta en la que se van a
divertir como lo hacen viendo los Simpsons, no. Esperen encontrar en este filme
la belleza que hay en los cuadros surrealistas o en los discos de música
experimental (de ésa que sabes que es buena pero que nadie sabe escuchar).
Ficha Técnica Dirección: Jean-Luc Godard Ayudante de dirección: Pierre Guffroy Producción: Georges de Beauregard Guion: Jean-Luc Godard Música: Antoine Duhamel Sonido: René Duhamel Fotografía: Raoul Coutard Montaje: Françoise Collin Protagonistas: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina. País:Francia Año: 1965 Productora: Les Filmes Georges de Beauregard, S.N.C., Dino de Laurentis Cinematográfica
Mucho hace que no hago una
crítica, por falta de tiempo, de interés, no sé. Existe muchas veces un desgano
que nos separa de aquellas cosas que creemos representan nuestra pasión. Y en
ese letargo de retraimiento fue que, luego de tomarme unas fotos amateur
invocando a la estética de una película que no asimilaba cual era, me topé con
que esta era “The dreamers” (Soñadores) de Bertolucci. Y ahí me rendí a mi
pasión, retomé el gusto por la crítica y recordé que tengo tantas cosas que
decir de esta película que valía la pena despertarme de mi distracción y
contarles porque, si es que gustan del buen cine (con esto excluyo a las
boludeces que la mayoría se pasa viendo para pasar el tiempo, productos hollywoodenses sin
sentido) DEBEN ver The dreamers.
Bertolucci nos cuenta, nos
ilustra, nos regala, ya en el año 2003 (su última película, si no me equivoco),
una historia que data del año 1968, antes de la revolución universitaria del
Mayo francés. Dos hermanos franceses, Isabelle y Theo, invitan a un muchacho
norteamericano llegado a París de intercambio llamado Mathew a vivir con ellos
en la casa de sus padres mientras estos se ausentan. La pasión por el cine que
los tres comparten los une y hace a Mathew ingresar lentamente a la extraña
relación de los hermanos anfitriones. ¿Quién no quiere jugar “Pictionary”
adivinando sus películas favoritas? ¿a qué cinéfilo no le gustaría discutir qué
director es mejor que otro? Entre juegos, van descubriéndose mutuamente todos,
e intimando de una manera que a cualquier “chico bueno” podría parecerle
chocante y a la vez, demasiado atrayente.
Sexo, colores, arte, simbolismos,
Bertolucci. Las relaciones se van volviendo sumamente íntimas, y un romance
nace, o tal vez dos, o quizás uno de tres participantes. Durante el 70% de la
película podemos disfrutar de la desnudez, total o parcial de los personajes y
de sus complejas situaciones psicológicas que revelan una susceptibilidad
propia de la época en la que las sensaciones estaban a flor de piel en una
juventud que constantemente rozaba, sino estaba sumergida en la corriente
hippie. Una época en la que se pensaba y se buscaba saber más.
La fotografía es mágica,
brindándonos colores cálidos perfectos, haciendo a los cuerpos lucirse en la
cámara. Delicadez en lo más grotesco, y una estética limpia y a la vez
ostentosa. El soundtrack también exquisito, y las escenas extrapoladas de otros
filmes, brillantes. Tal vez, para los más conservadores, encontrarán en esta
película cierto grado de perversión (en la escena de la tina en la que los tres
están bañándose, por citar un ejemplo) pero en verdad detrás de todas esas
situaciones lo perturbador se vuelve atractivo, hipnotiza, cautiva y nos da
ganas de más, de conocer el límite, de saber cuándo y cómo todo llegará a su
clímax.
Termina con la revolución del
Mayo Francés. Pero no le digo cómo porque quiero que vean la película. Podría
hablar más y más respecto a las cosas que me parecen excelentes y del porqué
esta es una de mis películas de cabecera, pero mejor decidí dejarles algunas
fotos, para despertar su curiosidad, su morbo tal vez, y por supuesto, su
admiración.
Ficha Técnica Dirección: Bernardo Bertolucci Dirección artística: Jean Rabasse Producción: Jeremy Thomas Guión: Gilbert Adair, basado en su novela "The Holy Innocents" Fotografía: Fabio Cianchetti Montaje: Jacobo Quadri Vestuario: Louise Stjernsward Protagonistas: Michael Pitt, Eva Green, Louis Garrel
Quemar las naves, película mexicana del director Francisco
Franco-Alba, nos trasporta a un mundo que mezcla la telenovela mexicana con Los Soñadores de Bertolucci y muestra una realidad bizarra
en la que es difícil encontrar resquicios de cotidianeidad auténtica pero sí
nos permite explorar el sentimiento de soledad que se expone en la vida de cada
uno de los personajes.
En sí es poética,
pero muy poco profunda. Una casa en la que dos hijos de una artista
convaleciente comparten sus ganas de aventurarse al mundo y su preocupación por
la salud de su madre. El papel de Helena, interpretado por Irene Azuela,
describe a una errática joven de animosidad inestable, muy pasional y colérica,
que se siente a cargo de todo y todos, víctima de un conflicto entre su nihilismo y
sus ansias de ir a Canadá. Su hermano Sebastián (Ángel Onésimo Nevares) empieza
a revelar su orientación sexual al conocer y enamorarse del personaje, para mí
menos logrado, Juan (Bernardo Benítez),
un inentendible chico que sólo sirve para denotarnos las preferencias sexuales
del protagonista, y sus conflictos con su valoración personal.
Con varios puntos flojos, entre ellos dinámica de las
escenas, malos silencios, guión flojo y la falta de rumbo de la historia que
resulta más bien descriptiva que narrativa, esta película sigue logrando lindos
momentos. La interpretación de la canción “Mi principio” de Elena ante
Sebastián, nos regala un tenso ambiente de confusión debido a la atracción que
existe entre ambos, una semi-oda al incesto, resalta como una escena lograda,
extrañamente natural.
Esta película toca temas como la homosexualidad, el incesto,
la independencia y la muerte, pero sin llegar sumergirnos en ellos, sin
dejarnos conocer a cada personaje de manera introspectiva. Nos da una pincelada
de cada ser, de cómo cada uno va construyéndose o degenerándose. Me gustó mucho
el significado de qué es “Quemar las Naves”, dejar todo lo pasado atrás para
empezar algo nuevo, sin retorno. Lindo mensaje, pero sería más efectivo si en
esta película eso nuevo tuviera al menos un atisbo de rumbo a crecimiento..
Cabe mencionar que conocí esta película gracias a su maravilloso soundtrack, del que participa Julieta Venegas con logradísimas canciones. Es de lo más lindo de la película. En vez del trailer, les dejo el videoclip de la canción "Mi Principio", una belleza.
Rabbit Hole, o como se la conoce en Sudamérica “Laberinto”,
es una de mis películas favoritas. Nicole Kidman, la actriz de la cual me
enamoré a los doce años, nos presenta una de sus interpretaciones más intensas
y eficaces, una madre que ha perdido a su hijo pequeño hace ocho meses y que
intenta sobrellevar su matrimonio en medio de un proceso de duelo. Su marido,
encarnado por el actor Aaron Eckhart, complementa la historia con una actuación
muy lograda.
Esta historia es bastante compleja, pues profundiza los
sentimientos y las facetas más introspectivas del duelo. “Esto que siento me
duele, me está matando por dentro, no quiero comprensión, no quiero ayuda, no
sé cómo actuar”-es el grito desesperado de Becca quién intenta con todas sus
fuerzas adecuarse a una realidad desolada.
Escenas con grandes cargas dramáticas actuadas de manera
sobresaliente, hacen de este filme un proyecto independiente de gran calidad,
tanto estética como actoral. La estética de Mitchell llega a su punto de mayor
pulidez, previamente sospechada en su icónica e innecesariamente fuerte Shortbus,
proveyéndonos de tomas exquisitas en fotografía, con colores realmente bellos y
que dan una atmósfera óptima a la historia que en sí se bambolea entre lo
cotidiano y lo funesto. El guión también encierra conversaciones tan naturales respecto a la muerte y el dolor que nos recuerda a muchas que quizás nosotros hayamos escuchado o inclusive hablado.
Para los que perdieron a alguien y vieron afectadas por ese
hecho a otras facetas de su vida, debido a que el difícil proceso del duelo muchas
veces nos deja vulnerables, insensibles a los corazones de las personas que más
amamos, esta película puede servir de ejemplo (triste y realista ejemplo).
Cuando estamos dolidos, muchas veces lastimamos al resto sin querer, nuestras
heridas sangran y salpicamos a todos con nuestra pena. Lo bueno es seguir
luchando, es intentar acostumbrarse, es procurar seguir. A pesar de que nada
volverá a ser igual.
