Bueno, me tenía que llegar a mí también, así que ahora les presento el primer cortometraje que grabé en mi vida. Es bien amateur y así muy de principiante, pero espero que puedan sentir lo que quise trasmitir.
Aquí tienen el link para verlo en Vimeo. Comentar es agradecer.
Godard para mí, al igual que
Hitchcock, es como una lección de cine abierta en cada película. Lo típico que
uno estudia al iniciar la carrera de cine está ejemplificado en muchas tomas
(focalización, los planos, los cuadros, etc), en la manera en que Godard nos
cuenta la historia, no de una manera convencional hollywoodense, sino desde la
bella óptica de la nouvelle epoque y su revolucionaria estética.
Es así que en Pierrot le Fou se
nos relatada la historia de un tipo llamado Ferdinand (al menos él se hace
llamar así, iterpretado por Jean Paul Belmondo), esposo de una rica mujer que
desconforme con su vida escapa con su amante Marianne (Ana Karina) quien vuelve
a aparecer en su vida luego de cinco años. Ferdinand (o Pierrot como le llama
Marianne) aparentemente cuenta con un historial de amplios antecedentes al
igual que su amante. Ambos se embarcan en una aventura sin rumbo, en una
aparente búsqueda de algo incierto, de un lugar donde ser felices, donde se
sientan completos. Entre tanto, realizan robos y actos delictivos para poder
sustentar su subsistencia, y además Ferdinand está obstinado en escribir en su
diario durante la travesía que vive. El final del filme no es más que
simplemente una explosión de expresión de Godard.
Lo interesante de esta película
es la frescura de sus tomas, la constante musicalización de situaciones como si
fuera un musical (¿o acaso en parte lo es?), los diálogos bizarros en los que
encontramos poesía, reflexiones acerca del ser, del amor, de las diferencias
entre los amantes, la sátira de la guerra de Vietnam y el absurdo pensamiento
yankiee, y todos los típicos divagues que caracterizan a este director y que lo
hacen tan genial y fuera de serie por no limitarse a lo expresamente literal al
contar sus historias.
-¿Por qué tantas preguntas?
-Trato de saber quién eres. Ni hace 5 años, lo
sabía.
Este es básicamente el tema de la película. Dos personas que se aman y
deciden aventurarse juntos, casi sin conocerse y conociéndose del todo.
- Me hablas con palabras y yo te miro con
sentimientos.
- Imposible hablar contigo. No tienes ideas sólo
sentimientos.
Esta película es eso. Sentimientos por encima de las ideas. Vean
Pierrot le fou, pero no esperen una entretenida cinta en la que se van a
divertir como lo hacen viendo los Simpsons, no. Esperen encontrar en este filme
la belleza que hay en los cuadros surrealistas o en los discos de música
experimental (de ésa que sabes que es buena pero que nadie sabe escuchar).
Ficha Técnica Dirección: Jean-Luc Godard Ayudante de dirección: Pierre Guffroy Producción: Georges de Beauregard Guion: Jean-Luc Godard Música: Antoine Duhamel Sonido: René Duhamel Fotografía: Raoul Coutard Montaje: Françoise Collin Protagonistas: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina. País:Francia Año: 1965 Productora: Les Filmes Georges de Beauregard, S.N.C., Dino de Laurentis Cinematográfica
Mucho hace que no hago una
crítica, por falta de tiempo, de interés, no sé. Existe muchas veces un desgano
que nos separa de aquellas cosas que creemos representan nuestra pasión. Y en
ese letargo de retraimiento fue que, luego de tomarme unas fotos amateur
invocando a la estética de una película que no asimilaba cual era, me topé con
que esta era “The dreamers” (Soñadores) de Bertolucci. Y ahí me rendí a mi
pasión, retomé el gusto por la crítica y recordé que tengo tantas cosas que
decir de esta película que valía la pena despertarme de mi distracción y
contarles porque, si es que gustan del buen cine (con esto excluyo a las
boludeces que la mayoría se pasa viendo para pasar el tiempo, productos hollywoodenses sin
sentido) DEBEN ver The dreamers.
Bertolucci nos cuenta, nos
ilustra, nos regala, ya en el año 2003 (su última película, si no me equivoco),
una historia que data del año 1968, antes de la revolución universitaria del
Mayo francés. Dos hermanos franceses, Isabelle y Theo, invitan a un muchacho
norteamericano llegado a París de intercambio llamado Mathew a vivir con ellos
en la casa de sus padres mientras estos se ausentan. La pasión por el cine que
los tres comparten los une y hace a Mathew ingresar lentamente a la extraña
relación de los hermanos anfitriones. ¿Quién no quiere jugar “Pictionary”
adivinando sus películas favoritas? ¿a qué cinéfilo no le gustaría discutir qué
director es mejor que otro? Entre juegos, van descubriéndose mutuamente todos,
e intimando de una manera que a cualquier “chico bueno” podría parecerle
chocante y a la vez, demasiado atrayente.
Sexo, colores, arte, simbolismos,
Bertolucci. Las relaciones se van volviendo sumamente íntimas, y un romance
nace, o tal vez dos, o quizás uno de tres participantes. Durante el 70% de la
película podemos disfrutar de la desnudez, total o parcial de los personajes y
de sus complejas situaciones psicológicas que revelan una susceptibilidad
propia de la época en la que las sensaciones estaban a flor de piel en una
juventud que constantemente rozaba, sino estaba sumergida en la corriente
hippie. Una época en la que se pensaba y se buscaba saber más.
La fotografía es mágica,
brindándonos colores cálidos perfectos, haciendo a los cuerpos lucirse en la
cámara. Delicadez en lo más grotesco, y una estética limpia y a la vez
ostentosa. El soundtrack también exquisito, y las escenas extrapoladas de otros
filmes, brillantes. Tal vez, para los más conservadores, encontrarán en esta
película cierto grado de perversión (en la escena de la tina en la que los tres
están bañándose, por citar un ejemplo) pero en verdad detrás de todas esas
situaciones lo perturbador se vuelve atractivo, hipnotiza, cautiva y nos da
ganas de más, de conocer el límite, de saber cuándo y cómo todo llegará a su
clímax.
Termina con la revolución del
Mayo Francés. Pero no le digo cómo porque quiero que vean la película. Podría
hablar más y más respecto a las cosas que me parecen excelentes y del porqué
esta es una de mis películas de cabecera, pero mejor decidí dejarles algunas
fotos, para despertar su curiosidad, su morbo tal vez, y por supuesto, su
admiración.
Ficha Técnica Dirección: Bernardo Bertolucci Dirección artística: Jean Rabasse Producción: Jeremy Thomas Guión: Gilbert Adair, basado en su novela "The Holy Innocents" Fotografía: Fabio Cianchetti Montaje: Jacobo Quadri Vestuario: Louise Stjernsward Protagonistas: Michael Pitt, Eva Green, Louis Garrel
Quemar las naves, película mexicana del director Francisco
Franco-Alba, nos trasporta a un mundo que mezcla la telenovela mexicana con Los Soñadores de Bertolucci y muestra una realidad bizarra
en la que es difícil encontrar resquicios de cotidianeidad auténtica pero sí
nos permite explorar el sentimiento de soledad que se expone en la vida de cada
uno de los personajes.
En sí es poética,
pero muy poco profunda. Una casa en la que dos hijos de una artista
convaleciente comparten sus ganas de aventurarse al mundo y su preocupación por
la salud de su madre. El papel de Helena, interpretado por Irene Azuela,
describe a una errática joven de animosidad inestable, muy pasional y colérica,
que se siente a cargo de todo y todos, víctima de un conflicto entre su nihilismo y
sus ansias de ir a Canadá. Su hermano Sebastián (Ángel Onésimo Nevares) empieza
a revelar su orientación sexual al conocer y enamorarse del personaje, para mí
menos logrado, Juan (Bernardo Benítez),
un inentendible chico que sólo sirve para denotarnos las preferencias sexuales
del protagonista, y sus conflictos con su valoración personal.
Con varios puntos flojos, entre ellos dinámica de las
escenas, malos silencios, guión flojo y la falta de rumbo de la historia que
resulta más bien descriptiva que narrativa, esta película sigue logrando lindos
momentos. La interpretación de la canción “Mi principio” de Elena ante
Sebastián, nos regala un tenso ambiente de confusión debido a la atracción que
existe entre ambos, una semi-oda al incesto, resalta como una escena lograda,
extrañamente natural.
Esta película toca temas como la homosexualidad, el incesto,
la independencia y la muerte, pero sin llegar sumergirnos en ellos, sin
dejarnos conocer a cada personaje de manera introspectiva. Nos da una pincelada
de cada ser, de cómo cada uno va construyéndose o degenerándose. Me gustó mucho
el significado de qué es “Quemar las Naves”, dejar todo lo pasado atrás para
empezar algo nuevo, sin retorno. Lindo mensaje, pero sería más efectivo si en
esta película eso nuevo tuviera al menos un atisbo de rumbo a crecimiento..
Cabe mencionar que conocí esta película gracias a su maravilloso soundtrack, del que participa Julieta Venegas con logradísimas canciones. Es de lo más lindo de la película. En vez del trailer, les dejo el videoclip de la canción "Mi Principio", una belleza.
Rabbit Hole, o como se la conoce en Sudamérica “Laberinto”,
es una de mis películas favoritas. Nicole Kidman, la actriz de la cual me
enamoré a los doce años, nos presenta una de sus interpretaciones más intensas
y eficaces, una madre que ha perdido a su hijo pequeño hace ocho meses y que
intenta sobrellevar su matrimonio en medio de un proceso de duelo. Su marido,
encarnado por el actor Aaron Eckhart, complementa la historia con una actuación
muy lograda.
Esta historia es bastante compleja, pues profundiza los
sentimientos y las facetas más introspectivas del duelo. “Esto que siento me
duele, me está matando por dentro, no quiero comprensión, no quiero ayuda, no
sé cómo actuar”-es el grito desesperado de Becca quién intenta con todas sus
fuerzas adecuarse a una realidad desolada.
Escenas con grandes cargas dramáticas actuadas de manera
sobresaliente, hacen de este filme un proyecto independiente de gran calidad,
tanto estética como actoral. La estética de Mitchell llega a su punto de mayor
pulidez, previamente sospechada en su icónica e innecesariamente fuerte Shortbus,
proveyéndonos de tomas exquisitas en fotografía, con colores realmente bellos y
que dan una atmósfera óptima a la historia que en sí se bambolea entre lo
cotidiano y lo funesto. El guión también encierra conversaciones tan naturales respecto a la muerte y el dolor que nos recuerda a muchas que quizás nosotros hayamos escuchado o inclusive hablado.
Para los que perdieron a alguien y vieron afectadas por ese
hecho a otras facetas de su vida, debido a que el difícil proceso del duelo muchas
veces nos deja vulnerables, insensibles a los corazones de las personas que más
amamos, esta película puede servir de ejemplo (triste y realista ejemplo).
Cuando estamos dolidos, muchas veces lastimamos al resto sin querer, nuestras
heridas sangran y salpicamos a todos con nuestra pena. Lo bueno es seguir
luchando, es intentar acostumbrarse, es procurar seguir. A pesar de que nada
volverá a ser igual.
Les Artistes Anonymes presenta… Ocurrió cerca de su casa (en francés, C´est Arrivé Près de Chez Vous). Un asesinato brutal mediante
asfixia. Así es como comienza este filme en blanco y negro, que aparenta, por
cómo se ha realizado, una cinta de los 60, mas data de 1992. Los directores del
filme son los actores del mismo y es justamente de eso lo que trata la película,
un grupo de tipos documentando las hazañas de asesino. Este asesino es Ben, un
hombre de apropiadamente 35 años que está, por decirlo de alguna manera,
cotidianamente desquiciado.
Escenas de asesinato sin censuras, a todo tipo de personas,
desde una dulce ancianita hasta un niño, sin pasar por alto mujeres, hombres,
amigos. Al parecer, el mundo interno de Ben llevaba una turbulencia extrema en
la que matar gente representaba una especie de catarsis. Rodeado de una familia
amorosa, que lo ve aún como un niño grande (evidentemente desconocedores de sus
hazañas), Ben relata su propia historia con ayuda de su camarógrafo, sonidista
y encargado de set. Acción contra unos aparentes contrincantes y monólogos quedescriben lo grotesco de situaciones aparentemente comunes (como matar gente, o
reflexionar sobre uno mismo o sobre el sexo) hacen de este filme disfrutable,
en algún sentido. El morbo que despierta y los encantos del protagonista nos
hacen hasta divertirnos con cada episodio mortal.
El punto más chocante del filme se da en el festejo del
cumpleaños de Ben. Luego de esto, él es accidentalmente descubierto debido a no
cumplir con su cometido al acechar una víctima. El sobreviviente lo delató y
bueno, comienzan los problemas para todos.
Una película llena de momentos emocionantes que al final nos
hace sentir culpables (a los que pudimos terminar de verla) de haber disfrutado
una hora y media de brutalidad. Y es que esta película no trata específicamente
de los asesinatos y lo divertido que resultó para los participantes grabarlos,
sino de la degradación humana, un reflejo de una sociedad que a veces, con
cortesía, tira nuestros cuerpos envueltos y rellenados de cascotes a algún
acantilado. Muchos mensajes, muy profundos, escondidos detrás de lo grotesco. El final es lo que debería ser, funesto dentro una filmación amateur, en mi opinión, perfecto.
Recomiendo verla, más aún si uno no tiene problemas con las
escenas fuertes. Es un
clásico, porque además de la historia en sí, fue hecha de manera poco
convencional, muy original y aplaudida por la crítica. Eso sí, no busquen
rescatar un valor, no es un bello cuento del cual aprenderán una lección, sino más
bien una descripción de quiénes son ellos, y hasta quizá de quiénes somos
nosotros mismos.
Controversial, bizarra, etérea, extremadamente creativa
entrega cinematográfica de uno de mis ídolos personales, el gran Pedro Almodóvar.
He visto muchas de Almodóvar previamente, su estética es imponente e
inconfundible, la gama de colores de sus tomas, los histriónicos personajes,
las historias con toques de realismo mágico que siempre llevan al espectador a
una dimensión surrealista, en la que el sofoque y la tensión predominan, pero
en la cual también despierta una sensitiva conmoción ante las bellas escenas,
tanto por lo visual como por lo íntimamente introspectivo de las interpretaciones.
Esta vez Almodóvar nos cuenta una historia ubicada en el
tiempo actual, 18 de febrero del 2012 es la última fecha que vi a Vera
registrar en su pared. Vera se encuentra aprisionada en la casa del cirujano plástico Robert Ledgard, y es sometida a varios procedimientos quirúrgicos. Viste un
traje ceñido que cubre su cuerpo por completo dejando al descubierto tan sólo
su hermoso rostro. Sí, el centro de los experimentos es su tersa piel. Ella
está secuestrada, y de principio llama la atención todas las medidas de
seguridad de las que consta la casa. Robert la quiere conservar ahí y
como espectadores que somos, queremos de entrada saber por qué.
Robert es un reconocido cirujano e investigador, y tuvo éxito
al crear un nuevo tipo de piel (ignífuga, según Wikipedia) mediante procedimientos
químicos y biogénesis. Pero él esconde el verdadero propósito de su
investigación. Este se remonta a un caos interior producido por tristes
incidentes de su pasado, relacionados con su mujer y su hija. Además de estos
detalles, creo que sería un pecado anticipar algo más, la historia es digna de disfrutarla
por uno mismo a pesar de que al final, uno queda suspendido, y si uno no tiene
la suficiente admiración por el director, puede escapársele un “¿y después?”.
Las bellísimas tomas de la actriz Elena Anaya, quien
interpreta a Vera, embelesan a cualquiera. Ella nos brinda una actuación
correcta (reconocida ya a estas alturas con un correspondiente Goya) y nos
despierta una curiosidad enfermiza: una joven tan bella ¿qué le habrá pasado?
¿por qué está encerrada?. Antonio Banderas, ya todo un señor de cincuenta y un
años, también brilla, encarna a un personaje icónico, y lo hace con tanta
altura y eficacia que hasta casi nos hace olvidar del Zorro o del Mariachi. La banda sonora cumple su papel esencial de manera fantástica para que el ritmo del filme nos sumerja en la expectativa.
La reacción que te provocará esta película será grotesca. “Pornografía
emocional” como una vez leí en una crítica de la cinta Dancing in the dark de
Von Trier. Pero muy disfrutable. Uno de sus mejores trabajos. Arte.
Dirección Artística: Antxon Gómez Produccion: Agustín Almodóvar y Esther García Rodríguez Guión: Pedro Almodóvar (Basado en la novela Tarántula de Thierry Jonquet). Música: Alberto Iglesias Sonido: Iván Marín Fotografía: José Luis Alcaine Maquillaje: Karmele Soler Vestuario: Paco Delgado y Jean-Paul Gaultier Protagonistas: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Jan Cornet, Roberto Álamo País: España Año: 2011 Idioma: Español Productora: El deseo P.C.
Un gran aplauso para aquellos que disfrutan de ver películas
que retraten la realidad, que tengan largos minutos de diálogos, hermosos
momentos románticos, dramáticas escenas desgarradoras, y un par de actores que
no parecen de otro mundo, sino personas reales, personas como nosotros.
Blue Valentine es eso. Es casi dos horas de un Ryan Gosling
y una Michelle Williams excelentes, una fotografía logradísima, y una historia
tan real que nos recuerda a la vida de un amigo, a lo que le pasó a nuestra ex
novia, o a episodios de nuestras propias vidas. El amor entre personas
solitarias, sufridas, que parecen no buscar nada en sus destinos, y sin embargo,
dentro de ellos cargan el deseo tan humano y tan frustrado de ser felices. Dean
(Gosling) y Cindy (Williams) se conocen de manera casual en un asilo de ancianos.
El romance nace de manera espontánea. Dean enamorable, encantador, un tipo
lleno de buenas intenciones, con un alma de oro, pasional, enamora a Cindy, una
joven con una vida desordenada, con buen corazón pero presa de las represiones
de un padre autoritario, con grandes capacidades, con ganas de progresar y de
huir de su realidad.
Un constante intercalo entre el tiempo de enamoramiento, y
unos (aproximados) siete años después, desarrolla una estructura quebrada en la
que el espectador de a poco, va entretejiendo la historia, entendiendo el
porqué de cada situación, encontrando respuestas a las reacciones de los
personajes. El futuro no fue tan espléndido como parecía que iba a ser. Años
después, el amor no es el mismo. –There is nothing here for you (No tengo nada
para ti aquí) son las palabras que se encuentran en medio de la escena más desgarradora, cuando Dean va junto a Cindy al hospital donde ella trabaja, invadiendo
todo, avergonzándola, armando un escándalo. Es entonces cuando el desamor y la
tensión llega a su punto culminante.
En esta historia, Cindy fue tan redimida que se sentía en
deuda con Dean, pero la vida no te deja vivir de recuerdos. Podría continuar
párrafos y párrafos hablando de todo lo que Blue Valentine ocasionó en mí, aplaudiendo y alabando a Derek Cianfrance por su gran trabajo como director,
pero es mejor pedirles que la vean y la vivan como yo la viví.
Recomiendo, con todo el peso de mi criterio, que disfruten de
esta película. Y sí, la música de ambos es una de las cosas más románticas que
escuché en mi vida, un gran aplauso para nosotros los dramáticos.
¿Qué
puedo decir de una película con Meryl Streep como protagonista? Una de sus
actuaciones más limpias, más profundas, más encarnadas sin lugar a dudas. Luego
de mirar unos cuantos videos en youtube de discursos de Margaret Thatcher, pude
ver que en verdad la interpretación de la galardonada actriz ya con el Golden
Globe, el BAFTA y su tan preciado tercer Oscar en mano fue eficaz y exacta. A pesar de eso, quizá ya por haber visto tantas
películas protagonizadas por Meryl (mi actriz favorita sin lugar a dudas) pude
afirmar en esta sobria interpretación, como las demás, ella carga también
mucho de sí misma en su personaje, sus labios fruncidos, su mirada distraída y lacónica, recuerdan mucho a las vistas en papeles de Miranda Priestly y Sister Aloysius.
El resto de la película, bueno,
acompaña bien. Como se desarrolla la historia, de manera no lineal hace que
esta requiera al menos un poco más de atención. Me gustaron los extractos de
filmaciones reales, quedaron bien encajadas, dan cierta profundidad a la
película, bueno, de la que en realidad carece bastante. Si la directora, Lloyd
(directora de Mamma mía) se hubiera planteado no hacer algo tan soup opera y se
aventuraba un poco más a explorar otras facetas de la Dama de Hierro, además de
la cotidiana, quizá esta película trascendería. Lastimosamente, no fue así. Propone
sí ciertos temas para debatir como lo impenetrable que era para una mujer
sobresalir en la política, el dejar de lado el aspecto familiar para entregarse
a la vida profesional, el rol en sí de la mujer en la sociedad y lo que
ocasiona salirse del molde, la lucha por ideales contrastada con la ambición
personal, como nos encontramos en la vejez y evaluamos nuestras anteriores
prioridades, entre otras. Disfruten, en conclusión, de una película más, en la
que en el centro brilla una excelente interpretación.
Para comenzar este blog, no pude haber escogido mejor
película. Blue Velvet (o Terciopelo Azul), del afamado Lynch (de quién recién
disfruté dos películas) es una de esas maravillosas historias que dejan a uno
perplejo ante el misterio y la complejidad de sus personajes. Jeffrey, el protagonista
de la historia, nos demuestra una valentía sin igual al intentar resolver un enigma
luego de haber encontrado una oreja en el pasto camino a su casa. Tras hacer
la denuncia, él junto a la hija del detective de su ciudad, comienzan una
investigación muy ingeniosa, con ese espíritu adolescente de meterse en
problemas cuando no es necesario.
Una dama sensual resulta sospechosa. Cantante en un cavaret,
entona “Blue Velvet” (famosa canción de los 50, interpretada originalmente por
Tonny Bennet) y las ansias de saber qué es lo que pasa en las película, nos perturba.
La tensión se apodera de cualquier expectador y más aún después de conocer a
Frank (qué psicópata), uno de los personajes más emblemáticos de la película.
Erotismo, violencia y un romance nacido de la
manera más inocente, hacen de Blue Velvet una historia audiovisual inteligente.
Nos muestra los vicios del placer entre la búsqueda de amor y la aventura de
llegar a límites dentro del marco de la degradación humana ante una situación
de impotencia. Altamente recomendada, queda en sus manos un muy buen cine
para disfrutar con capacidad de análisis y deleite estético.
Ficha Técnica: Dirección: David Lynch Producción: Fred C. Caruso Guión: David Lynch Música: Angelo Badalamenti Protagonistas: Isabella Rossellini, Kyle MacLachlan, Dennis Hopper, Laura Dern, Hope Lange, Dean Stockwell, George Dickerson, Priscila Pointer, Frances Bay, Brad Dourif. Año: 1986 País: Estados Unidos Duración: 120 mins.
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0059592/ calificación 7.6 de 10.
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0935075/ calificación 7.1 de 10.
Las bellísimas tomas de la actriz Elena Anaya, quien
interpreta a Vera, embelesan a cualquiera. Ella nos brinda una actuación
correcta (reconocida ya a estas alturas con un correspondiente Goya) y nos
despierta una curiosidad enfermiza: una joven tan bella ¿qué le habrá pasado?
¿por qué está encerrada?. Antonio Banderas, ya todo un señor de cincuenta y un
años, también brilla, encarna a un personaje icónico, y lo hace con tanta
altura y eficacia que hasta casi nos hace olvidar del Zorro o del Mariachi. La banda sonora cumple su papel esencial de manera fantástica para que el ritmo del filme nos sumerja en la expectativa.
Erotismo, violencia y un romance nacido de la
manera más inocente, hacen de Blue Velvet una historia audiovisual inteligente.
Nos muestra los vicios del placer entre la búsqueda de amor y la aventura de
llegar a límites dentro del marco de la degradación humana ante una situación
de impotencia. Altamente recomendada, queda en sus manos un muy buen cine
para disfrutar con capacidad de análisis y deleite estético.
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0090756/ calificación: 7.8 de 10.
